Cómo la Arquitectura ayudó a la Evolución de la Música 🎼

Al oír la interesante TED Talk de David Byrne que aprenderemos hoy, se hace inevitable el pensar la cita de Goethe: “La música es arquitectura líquida; la arquitectura es música congelada

David Byrne

David Byrne

Y es que la música puede ser entendida como un tipo de arte inestable que fluye entre momentos en un estado dinámico de cambio. Y, aunque estática, la arquitectura se puede experimentar como que está en constante transformación cuando un diseñador crea coreografías dentro de un entorno.

La conexión entre las dos partes es muy poderosa. En el transcurso de la charla Byrne nos va mostrando diferentes pasajes musicales para demostrar todos los entornos en los que se ha tocado música; desde una catedral a un estadio de fútbol; pasando por clubes nocturnos y cómo estos entornos han influenciado a la producción y a la recepción de la música. Muy Interesante, aquí tenéis la charla subtitulada al castellano:

La Transcricpión de la Charla

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Este es el lugar donde, cuando yo era joven, se tocaron por primera vez algunas de las canciones que escribí. Era, sorprendentemente, un sala con muy buen sonido. Con todas las paredes irregulares y toda esa basura por doquier, realmente sonaba muy bien. Esta es una de las canciones que se grabaron allí. (Música de Byrne ♪) Esto no es Talking Heads, al menos no en la foto. (Canción: “A Clean Break (Let’s Work)” de Talking Heads ♪) Así que, la naturaleza de la sala implicaba que las palabras se podían entender. Las letras se podían entender bastante bien. El sistema de sonido era bastante decente. Y no había mucho eco en la sala. Así que el ritmo también se mantenía bastante intacto, bastante conciso. Otros lugares alredor del país tenían salas parecidas. Este es el Tootsie’s Orchid Lounge de Nashville. La música era de alguna manera diferente, pero muy similar en estructura y forma. El comportamiento de la clientela era también muy parecido. Así que las bandas en Tootsie’so en CBGB tenían que tocar lo suficientemente fuerte; el volumen tenía que ser lo suficientemente fuerte como para escucharse sobre gente cayendo, gritando y cualquier otra cosa que estuvieran haciendo.

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Desde entonces, he tocado en otros lugares mucho más agradables. He tocado aquí en el Disney Hally en Carnegie Hall y lugares como esos. Y ha sido muy emocionante. Pero también me di cuenta que a veces la música que yo había escrito, o que estaba escribiendo en ese momento, no sonaba demasiado bien en algunas de esas salas. Nos las arreglábamos, pero a veces esos lugares no parecían ser los más adecuados para la música que estaba tocando o había creado. Así que me pregunté a mí mismo: ¿Debo escribir cosas para escenarios específicos? ¿Debo tener en mente un lugar, un ambiente cuando escribo? ¿Es eso un tipo de modelo de creatividad? ¿Creamos cosas conun lugar, un contexto, en mente?

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OK, África. (Canción: “Wenlenga” / Varios Artistas ♪) Casi toda la música popular que conocemostiene una gran parte de sus raíces en África occidental. Y la música allí, yo diría, los instrumentos, los ritmos intrincados, la forma en que se toca, el entorno, el contexto, todo es perfecto. Todo funciona perfectamente. La música funciona perfectamente en ese ambiente. No hay una gran sala que produzca eco y confunda los ritmos. Los instrumentos son suficientemente poderosos que se puede escuchar sin amplificación, etc. No es casualidad. Es perfecto para ese contexto específico. Y sería un desastre en un contexto como éste. Esta es una catedral gótica. (Música: “Spem In Alium” de Thomas Tallis ♪) En una catedral gótica, este tipo de música es perfecta. No cambia clave. Las notas son largas. Casi ni hay ritmo. Y el cuarto halaga la música. De hecho la mejora. Esta es la sala para la cual Bach escribió algunos de sus piezas. Este es el órgano. No es tan grande como una catedral gótica, por lo que él puede escribir cosas un poco más complejas. Él puede, de manera muy innovadora, cambiar la clave músical sin arriesgarse a generar disonancias profundas. (Música: “Fantasia On Jesu, Mein Freunde” de Johann S. Bach ♪)

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Esto es un poquito después. Este es el tipo de salas en las cuales escribió Mozart. Creo que estamos como en 1770, por esa época. Son más pequeñas, con menos eco todavía por lo que él puede componer música muy adornada que es muy compleja; y funciona. (Música: “Sonata en Fa Mayor,” KV 13, de Wolfgang A. Mozart) Encaja perfectamente en la habitación. Esta es La Scala. Es de una época similar. Creo que fue construida alrededor de 1776. Cuando fueron construidos, el público de estos teatros solían gritarse entre sí. Solían comer, beber y gritarle a la gente en el escenario igual como lo hacen en CBGB y lugares así. Si les gustaba un aria (un solo), gritaban y pedían que se hiciera de nuevo como un bis, no al final del espectáculo, sino que inmediatamente. (Risas) Y bueno, así se vivía la ópera. Esta es el teatro de ópera que Wagner se construyó para sí mismo. Y el tamaño de la sala no es tan grande. Es más pequeña que ésta. Sin embargo, Wagner hizo una innovación. Él quería una banda más grande. Él quería algo un poco más elocuente. Así que aumentó el tamaño del foso donde va la orquesta para poder meter más instrumentos bajos dentro. (Música: “Lohengrin / Preludio al Tercer Acto” de Richard Wagner ♪)

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Bien. Este es el Carnegie Hall. Obviamente, este tipo de salones se popularizaron. Los teatros se hicieron más grandes. Carnegie Hall es mediano. Es más grande que otras salas sinfónicas. Y son mucho más reverberantes que La Scala. Alrededor de la misma época, según Alex Ross quien escribe para el New Yorker, entró en vigor esta regla tácita en que el público tenía que estar callado, ya no se podía comer, beber ni gritar al escenario, o murmurar entre sí durante el espectáculo. Tenían que estar muy callados. Y la combinación de esas dos cosas significó que un nuevo tipo de música funcionaría mejor en este tipo de escenarios. Significaba que podían generarse dinámicas extremas, que no existían en algunos de estos tipos de música distintos. Se podían escuchar las partes suaves que habrían sido ahogadas por todos los susurros y los gritos. Pero a causa del eco de las salas como la de Carnegie Hall, la música debía ser quizás un poco menos rítmica y tener un poquito más de textura. (Música: “Sinfonía No. 8 en Mi Bemol Mayor” de Gustav Mahler) Este es Gustav Mahler. Se parece a Bob Dylan, pero es Mahler. Ese fue el último disco de Bob, sí.

6:40 (Risas)

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La música popular, que apareció el mismo tiempo: Esta es una banda de jazz. Según Scott Joplin, las bandas tocaban en las barcas de río y en los clubes. Nuevamente, es ruidoso. Están tocando para los bailarines. Hay algunas secciones de la canción -las canciones tenían diferentes secciones- que les gustaban mucho a los bailarines. Y ellos decían: “Toca esa parte de nuevo.” Bueno, sólo hay una cantidad limitada de veces que se puede tocar repetidamente la misma sección de una canción para los bailarines. Y entonces las bandas empezaron a improvisar nuevas melodías. Y nació una nueva forma de música. (Música: “Royal Garden Blues” de W.C. Handy / Ethel Waters ♪) Estas se tocan casi siempre en espacios pequeños. La gente está bailando, gritando y bebiendo. Y la música debe ser lo suficientemente fuerte para escucharse por sobre eso. Lo mismo es cierto -ya estamos en el comienzo del siglo- para toda la música popular del siglo XX, ya sea rock o música latina o lo que sea.En realidad no cambia mucho.

7:43

Cambia cuando ya ha transcurrido un tercio del siglo XX, cuando esto se convirtió en uno de los principales contextos de la música. Y esta fue una forma de como la música entró allí. Los micrófonos permitieron a los cantantes, especialmente, y a músicos y compositores, a cambiar completamente el tipo de música que escribían. Hasta ese momento, mucho de lo que se escuchaba por la radio era en vivo, pero cantantes como Frank Sinatra, pudieron utilizar el micrófono y hacer cosas que jamás podrían haber hecho sin un micrófono. Otros cantantes posteriores a él fueron aún más allá. (Canción: “My Funny Valentine” de Chet Baker ♪) Este es Chet Baker. Y este tipo de cosas habrían sido imposibles sin un micrófono. Tampoco hubiera sido posible sin la música grabada. Y él está cantando directo en tu oído. Está susurrando en tu oído. El efecto es realmente eléctrico. Es como si el tipo estuviera sentado al lado tuyo, murmurando quién sabe qué en tu oído.

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Así que, en este momento, la música se dividió en dos. Hay música en vivo y hay música grabada. Y ya no tenían que ser exactamente iguales. Ahora hay lugares como este, una discoteca, y hay máquinas de discos en los bares donde ni siquiera es necesario tener una banda. No es para nada necesario que hayan músicos tocando en vivo. Y los sistemas de sonido son buenos. La gente comenzó a crear música específicamente para las discotecas y para estos sistemas de sonido. Y, al igual que con el jazz, los bailarines preferían ciertas secciones por sobre otras. Así que los hip-hoperos iniciales repetían ciertas secciones. (Canción: “Rapper’s Delight” de The Sugarhill Gang ♪) El “MC” (en el micrófono) improvisaba letras de canciones igual que como los músicos de jazz improvisan melodías. Y así nació otra nueva forma de música.

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Los espectáculos en vivo, cuando pasaron a ser un éxito increíble, terminaron tocándose en los que probablemente son, acústicamente, los lugares con peor sonido del planeta, los estadios deportivos,las canchas de baloncesto y los campos de hockey. Los músicos que terminaron allí hicieron lo mejor que pudieron. Escribieron lo que ahora se llama rock de estadio que son baladas de velocidad media.(Canción: “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” de U2) Hicieron lo mejor posible considerando que estaban escribiendo para esto. Los ritmos son medios. Suena inmensamente grande. Es más una situación social que una situación musical. Y en cierto modo, la música que escriben para este lugarfunciona perfectamente.

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Y nuevamente hay más lugares. Uno de los nuevos es el automóvil. Yo crecí con una radio en el auto.Pero ahora se ha transformado en otra cosa. El automóvil es un ambiente completo. (Canción: “Who U Wit” de Lil’ Jon & the East Side Boyz ♪) La música que, en mi opinión, está escrita para los sistemas de sonido del automóvil funciona perfectamente en ese entorno. Quizás no sea lo que quieras escuchar en tu casa pero funciona muy bien en el automóvil, tiene una gama de frecuencias muy grande, digamos, bajos profundos y finales agudos y la voz como atrapada en la mitad. Música de automóvil, que puedes compartir con tus amigos.

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Hay otro nuevo tipo de contexto: el reproductor MP3 privado. Supongo que este es sólo para música cristiana. (Risas) Y en cierto modo es como el Carnegie Hall, o como cuando el público tuvo que quedarse callado, porque ahora se pueden escuchar todos los detalles. Por otro lado, se parece más a la música de África Occidental porque si la música en un MP3 baja demasiado de volumen, se sube inmediatamente, y al minuto siguiente te vuela los oídos en una sección más fuerte. Así que eso realmente no funciona. Creo que la música pop, sobretodo, se escribe hoy, en cierta medida, para este tipo de reproductores, para este tipo de experiencia personal donde se puede escuchar cada detalle, pero la dinámica no cambia mucho.

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Así que me pregunté a mí mismo: Bueno, ¿es este un modelo para la creación, esta adaptación que hacemos? ¿Y se produce en alguna otra parte? Bueno, según David Attenborough y algunas otras personas, los pájaros también lo hacen. Que los pájaros de las copas de árboles, donde el follaje es denso, tienden a hacer llamados agudos, cortos y repetitivos. Y los pájaros en el piso de la selvatienden a tener llamados más graves para que no se distorsionen cuando rebotan en el suelo del bosque. Y pájaros como este gorrión sabanero, tienden a tener un tipo de zumbido (Clip de sonido: canción de gorrión sabanero) como su llamado. Y resulta que un sonido como este es la manera más energéticamente eficiente y práctica para transmitir su llamado a través de los campos y sabanas.Otros pájaros, como esta tángara, se han adaptado dentro de la misma especie. Las tángaras de la costa este de los Estados Unidos, donde los bosques son un poco más densos, tienen un tipo de llamado y las tángaras del otro lado, del oeste, (Clip de sonido: Canción de tángara rojinegra) tienen un tipo diferente de llamado. (Clip de sonido: Canción de tángara rojinegra) Así que los pájaros también lo hacen.

13:34

Y pensé: Bueno, si este es un modelo para la creación, si creamos música, o principalmente al menos su forma, para que funcione en estos contextos y si creamos el arte para que se amolde a las paredes de galerías o de museos, y si escribimos software para que funcione en los actuales sistemas operativos, ¿es así como funciona? Sí. Creo que es evolutivo. Es adaptativo. Pero el placer y la pasión y la alegría se mantienen allí. Esta es una visión inversa de las cosas a la del punto de vista romántico y tradicional. La visión romántica es que primero viene la pasión y luego el diluvio de emoción, y entonces de alguna manera se transforma en algo. Y yo digo, bueno, la pasión sigue estando ahí,pero el recipiente al cual va a ser inyectado y vertido, es instintiva e intuitivamente creado al principio.Ya sabemos donde va a ir esa pasión. Pero este conflicto de opiniones es bien interesante.

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El escritor, Thomas Frank, dice que esto podría ser una especie de explicación de por qué algunos votantes votan en contra de su propios intereses, ya que los votantes, al igual que muchos de nosotros, asumen que si escuchan algo que suena sincero, que viene desde adentro, que es apasionado, que eso es más auténtico. Y ellos votarán por eso… Así que si alguien puede fingir sinceridad, si puede fingir pasión, tiene una mejor oportunidad de ser elegido por esta razón, lo que me parece un poco peligroso. Estoy diciendo que ambos; la pasión, la alegría, no son mutuamente excluyentes.

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Quizás lo que ahora necesita el mundo es que nos demos cuenta que somos como los pájaros. Nos adaptamos. Cantamos. Y al igual que los pájaros, la alegría aún está allí, a pesar de que hemos cambiado lo que hacemos para amoldarnos al contexto.

15:42 Muchas gracias.

15:44 (Aplausos)

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Buen Lunes!! 🙂


Artículo Original: “David Byrne: How architecture helped music evolve” en TED

La Música y El Trastorno del Espectro Autista

En este Brain Feeling aprenderemos más información sobre el cerebro y la música. Concretamente, mediante la infografía que sigue a este texto, podremos aprender datos y hechos sobre el Trastorno del Espectro Autista y la música.

Las causas del Trastorno del Espectro Autista aún no son del todo conocidas, lo que sí se sabe es que las personas que lo sufren experimentan una percepción intensificada del sonido, y muchos han desarrollado cerebros que son perfectamente adecuados para entender y dominar a la perfección el arte de la música.

Partes del Cerebro afectadas por el Trastorno del Espectro Autista

Partes del Cerebro afectadas por el Trastorno del Espectro Autista

Aprendamos 10 hechos sorprendentes de cómo la música afecta a las personas con Trastorno del Espectro Autista, revisando esta infografía que traducimos debajo.

10 hechos sobre la música y el trastorno del espectro autista

10 hechos sobre la música y el trastorno del espectro autista

De izquierda a derecha y de arriba a abajo:

  1. La mayoría de las personas con Trastorno del Espectro Autista responde positivamente a la música.
  2. Las personas con Trastorno del Espectro Autista tienen un interés mayor y más temprano a la música. Así como también presentan una respuesta ante ella, antes que los que no lo sufren.
  3. La música traspasa cualquier barrera del lenguaje dado que es un idioma universal.
  4. Cantar en lugar de hablar a menudo es un modo mejor de interactuar con personas con Trastorno del Espectro Autista dado que éstas procesan el ritmo, el timbre y el tono en diferentes áreas del cerebro.
  5. La música activa los dos hemisferios del cerebro y estimula el procesado cognitivo.
  6. La música da un modo de afrontar los problemas que es no verbal y no agresivo.
  7. Las investigaciones han demostrado que las personas con autismo presentan habilidades iguales o superiores en el procesado del tono, en etiquetar las emociones en la música y en preferencias musicales, en comparación a las personas que no sufren el trastorno.
  8. Los elementos musicales, la estructura y la previsibilidad aportan un sentido de seguridad a las personas que se desarrollan con rutinas.
  9. Personas con autismo severo comparten las mismas preferencias musicales que aquellas que no lo sufren, a pesar de sus impedimentos.
  10. El tono perfecto ocurre tan sólo en el 0.0001% de la población.  Se ha hallado que el 60% de los pacientes con trastorno del espectro autista presentan un tono perfecto.

Aprendamos un poco más sobre la Música y El Autismo en este vídeo

Nueva Esperanza para la Músico Terapia del Autismo para Niñ@s con Autismo y Síndrome de Asperger

 

Buen Jueves!! 🙂


Artículo Original: “Autism Spectrum and Music #Infographic” en Visualistan

Cómo la música condujo a la invención de los ordenadores modernos

Esta lección de TED es una de más bonitas que he aprendido jamás. Me ha gustado tanto que he creído necesario compartirla este Domingo.

De la mano de Steven Johnson aprenderemos cómo la música condujo a la creación de los ordenadores modernos y por qué a veces no es tanto la necesidad como el divertimento el que nos conduce a crear cosas asombrosas.

A menudo pensamos que la necesidad es la madre de la invención, ¿verdad? Bien, no siempre. Aprenderemos cómo las ideas más transformativas y las tecnologías, como el ordenador, no aparecieron tanto de la necesidad cómo del extraño placer de tocar y oír tocar un instrumento. Quizás sea un primer punto para ver un futuro más divertido.

 

Transcripción de la lección

En este caso, no disponemos de la transcripción en Castellano, pero os dejo aquí la transcripción en inglés de todo lo que Steve nos comenta.

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Roughly 43,000 years ago, a young cave bear died in the rolling hills on the northwest border of modern day Slovenia. A thousand years later, a mammoth died in southern Germany. A few centuries after that, a griffon vulture also died in the same vicinity. And we know almost nothing about how these animals met their deaths, but these different creatures dispersed across both time and spacedid share one remarkable fate. After their deaths, a bone from each of their skeletons was crafted by human hands into a flute.

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Think about that for a second. Imagine you’re a caveman, 40,000 years ago. You’ve mastered fire.You’ve built simple tools for hunting. You’ve learned how to craft garments from animal skins to keep yourself warm in the winter. What would you choose to invent next? It seems preposterous that you would invent the flute, a tool that created useless vibrations in air molecules. But that is exactly what our ancestors did.

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Now this turns out to be surprisingly common in the history of innovation. Sometimes people invent things because they want to stay alive or feed their children or conquer the village next door. But just as often, new ideas come into the world simply because they’re fun. And here’s the really strange thing: many of those playful but seemingly frivolous inventions ended up sparking momentous transformations in science, in politics and society.

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Take what may be the most important invention of modern times: programmable computers. Now, the standard story is that computers descend from military technology, since many of the early computers were designed specifically to crack wartime codes or calculate rocket trajectories. But in fact, the origins of the modern computer are much more playful, even musical, than you might imagine. The idea behind the flute, of just pushing air through tubes to make a sound, was eventually modified to create the first organ more than 2,000 years ago. Someone came up with the brilliant idea of triggering sounds by pressing small levers with our fingers, inventing the first musical keyboard. Now, keyboards evolved from organs to clavichords to harpsichords to the piano, until the middle of the 19th century,when a bunch of inventors finally hit on the idea of using a keyboard to trigger not sounds but letters.In fact, the very first typewriter was originally called “the writing harpsichord.”

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Flutes and music led to even more powerful breakthroughs. About a thousand years ago, at the height of the Islamic Renaissance, three brothers in Baghdad designed a device that was an automated organ. They called it “the instrument that plays itself.” Now, the instrument was basically a giant music box. The organ could be trained to play various songs by using instructions encoded by placing pins on a rotating cylinder. And if you wanted the machine to play a different song, you just swapped a new cylinder in with a different code on it. This instrument was the first of its kind. It was programmable.

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Now, conceptually, this was a massive leap forward. The whole idea of hardware and softwarebecomes thinkable for the first time with this invention. And that incredibly powerful concept didn’t come to us as an instrument of war or of conquest, or necessity at all. It came from the strange delight of watching a machine play music.

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In fact, the idea of programmable machines was exclusively kept alive by music for about 700 years.In the 1700s, music-making machines became the playthings of the Parisian elite. Showmen used the same coded cylinders to control the physical movements of what were called automata, an early kind of robot. One of the most famous of those robots was, you guessed it, an automated flute playerdesigned by a brilliant French inventor named Jacques de Vaucanson.

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And as de Vaucanson was designing his robot musician, he had another idea. If you could program a machine to make pleasing sounds, why not program it to weave delightful patterns of color out of cloth? Instead of using the pins of the cylinder to represent musical notes, they would represent threads with different colors. If you wanted a new pattern for your fabric, you just programmed a new cylinder. This was the first programmable loom.

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Now, the cylinders were too expensive and time-consuming to make, but a half century later, another French inventor named Jacquard hit upon the brilliant idea of using paper-punched cards instead of metal cylinders. Paper turned out to be much cheaper and more flexible as a way of programming the device. That punch card system inspired Victorian inventor Charles Babbage to create his analytical engine, the first true programmable computer ever designed. And punch cards were used by computer programmers as late as the 1970s.

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So ask yourself this question: what really made the modern computer possible? Yes, the military involvement is an important part of the story, but inventing a computer also required other building blocks: music boxes, toy robot flute players, harpsichord keyboards, colorful patterns woven into fabric, and that’s just a small part of the story. There’s a long list of world-changing ideas and technologies that came out of play: public museums, rubber, probability theory, the insurance business and many more.

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Necessity isn’t always the mother of invention. The playful state of mind is fundamentally exploratory,seeking out new possibilities in the world around us. And that seeking is why so many experiencesthat started with simple delight and amusement eventually led us to profound breakthroughs.

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Now, I think this has implications for how we teach kids in school and how we encourage innovation in our workspaces, but thinking about play and delight this way also helps us detect what’s coming next.Think about it: if you were sitting there in 1750 trying to figure out the big changes coming to society in the 19th, the 20th centuries, automated machines, computers, artificial intelligence, a programmable flute entertaining the Parisian elite would have been as powerful a clue as anything else at the time. It seemed like an amusement at best, not useful in any serious way, but it turned out to be the beginning of a tech revolution that would change the world.

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You’ll find the future wherever people are having the most fun.

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Buen Domingo!! 🙂


Artículo Original: “Steven Johnson: How music led to the invention of modern computers” en TED.

Nuevas Vías a “El Espacio Musical de Nuestro Cerebro”

Ya hace bastantes días que no aprendemos nada nuevo con respecto a la pareja música+cerebro en Feel The Brain. Así que hoy, ha llegado el momento de pegar una repasada a este tema, tema principal del blog con un nuevo Brain Feeling. Es un poco largo; pero os aseguro que vale la pena.

Ya sea para amenizar un transbordo, para relajarse por la noche o para no oír el buzz del dron del vecino, los Americanos escuchan música casa 4 horas diarias. En diversas encuestas internacionales, la gente sitúa la música consistentemente como uno de los orígenes supremos de placer y de poder emocional. Nos casamos con la música, nos graduamos con la música, lloramos con la música.

Cualquier cultura jamás estudiada se ha demostrado que hacía música, y cómo ya aprendimos en otro Brain Feeling, dentro de los objetos artísticos más antiguos conocidos son las finas flautas hechas de huesos de mamut hace 43.000 años (24.000 años antes que las pinturas de la cueva de Lascaux).

Flauta de Hueso de Mamut

Flauta de Hueso de Mamut

Pinturas de las Cuevas de Lascaux (Sur de Francia)

Pinturas de las Cuevas de Lascaux (Sur de Francia)

Dada la antigüedad, la universalidad y la profunda popularidad de la música, much@s invetigador@s han asumido que el cerebro humano debe estar equipado de algún tipo de “espacio musical”, una pieza distintiva de la arquitectura cortical dedicada a detectar e interpretar las armoniosas señales de las canciones.

Aún así, durante años, l@s científic@s han fallado en encontrar una evidencia clara de un dominio específico de la música a través de escáneres cerebrales convencionales, con lo que la aventura para entender la base neural de la quintaesencia de la pasión humana se ha ido a pique.

Ahora, investigador@es del MIT(Massachusetts Institute of Technology) han descubierto una nueva aproximación radical a la imageniería cerebral que revela lo que los estudios anteriores se habían perdido.

Mediante el análisis matemático de los escáneres del cortex auditivo y la agrupación de células cerebrales con patrones de activación similares, l@s científic@s han identificado caminos neurales que reaccionan casi exclusivamente al sonido de la música (de cualquier música). Ya se trate de de Bach, bluegrass, hip-hop, bug band, sitar o Julie Andrews. Un oyente disfrutará el genero o lo denigrará. No importa. Cuando se toca un pasaje musical, un conjunto de neuronas distinto y específico dentro del cortex auditivo del oyente se activará en consecuencia.

Córtexs Auditivos y Correspondendencias con la Cócleas.

Córtexs Auditivos y Correspondendencias con la Cócleas.

Otros sonidos, en contraste (ladridos de perros, derrapadas de coches o el agua de un inhodoro corriendo) deja estos circuitos musicales totalmente inactivos.

Nancy Kanwisher y Josh H. McDermott, profesores de neurociencia en el MIT, junto con su colega de post doctorado Sam Norman-Hignere han informado de sus resultados en el la publicación Neuron. Los hallazgos ofrecen a l@s investigadores una nueva herramienta para explorar los detalles de la musicalidad humana.

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¿Por qué tenemos música?” dijo la Doctora Kanwisher en una entrevista. “¿Por qué nos divierte tanto y queremos bailar cuando la oímos? ¿Cuán temprano en nuestro desarrollo podemos ver esta sensibilidad a la música y se puede modificar con la experiencia? Estas son las primeras preguntas de primer orden que podemos empezar a responder

El Doctor McDermott dijo que el nuevo método podría usarse para diseccionar computacionalmente cualquier escáner de una fMRI (la piedra filosofal de la neurociencia contemporánea) y con ello acabar descubriendo otras gemas escondidas de la especialización cortical.

Como prueba de este principio, l@s investigador@s han demostrado que su protocolo de análisis ha detectado un segundo camino neural en el cerebro (para el que ya existían algunas evidencias); en este caso especializado en los sonidos del habla humana.

Cabe remarcar también, que el equipo del MIT ha demostrado que los circuitos del habla y de la música se encuentran en diferentes partes del cerebro partiendo del cortex auditivo, donde todas las señales sonoras se interpretan y que además cada una de ellas es sorda a los sonidos de la otra; incluso si se sobreponen letras con música.

Areas de la Música y Áreas del Habla (http://mcdermottlab.mit.edu/svnh/Natural-Sound/Overview.html)

Areas de la Música y Áreas del Habla (http://mcdermottlab.mit.edu/svnh/Natural-Sound/Overview.html)

La nueva investigación “tiene una aproximación muy innovadora y es de vital importancia” comenta Josef Ruschecker, director del Laboratorio de Neurociencia Integrativa y de Cognición en la Universidad de Georgetown. “La Idea que el cerebro otorgue tratamiento especializado al reconocimiento de la música, indica que la música es una categoría fundamental, como el habla, eso es muy excitante para mí

De hecho, Ruschechker dijo, que la sensibilidad a la música sería más fundamental para el cerebro humano que la percepción del habla. “Hay teorías que indicarían que la música es más antigua que el habla“, dijo. “Otros incluso argumentan que el habla evolucionó a partir de la música“.

Y además, el valor de supervivencia que la música mantenía para nuestros ancestros no sería tan obvio inmediatamente como el poder de reconocer palabras. Rauschecker añade que “la música actúa como cohesionadora de grupos. El crear música con otras personas de tu tribu es un hecho antiguo y humano“.

Elizabeth Hellmuth Margulis, directora del Laboratorio de Cognición Musical de la Universidad de Arkansas, comenta que cuando los intentos anteriores de nuerocientífic@s fallaron al encontrar algún centro anatómico para la música en el cerebro, venían con un montón de razones para explicar los resultados.

La historia era, oh!, lo que es especial de la percepción musical es cómo recluta areas de todo el cerebro, como va hasta el sistema motor, la circuitería del habla, el entendimiento social y lo junta todo“, dijo. Algun@s investigador@s han descartado la música como “dulce auditivo”. “Esta investigación dice, no, cuando vas más allá, usando estas metodologías, encuentras circuitería muy específica que responde a la música por encima del habla

Os dejo aquí una TED Ed de Margulis que ya aprendimos en Feel The Brain: ¿Por qué nos gusta la repetición en la música?

El laboratorio de la Doctora Kanwicher es ampliamente conocido por su trabajo pionero en la visión humana (por favor no dejéis de visitar su web 🙂 ), y el descubrimiento de las porciones clave del cortex visual que son las encargadas de reconocer instantáneamente objetos de gran significado en el entorno, como caras y partes del cuerpo humano.

L@s investigador@s han fantaseado con la idea que quizá el sistema auditivo estaría organizado de modo similar para dar sentido al panorama musical a través de categorías. Si fuese así, ¿cuáles serían estas categorías destacadas? ¿Cuál sería el equivalente aural de una cara humana o de una pierna humana -sonidos o elementos sonoros tan esenciales que el cerebro les asigna una pequeña porción de materia gris a la tarea de su detección?

Para contestar a esta pregunta, el Dr. McDermott, antiguo DJ de clubs y de radios, así como el Doctor Norman-Haignere, guitarrista clásico; empezaron a coleccionar una biblioteca de sonidos de nuestro día a día: música, habla, risas, susurros, ruedas chirriando, banderas ondulando, platos chascando, llamas crepitando. A cualquier sitio dónde iban pedían sugerencias. ¿Se habían perdido algo?

A continuación pusieron la larga lista para votación en Amazon Mechanical Turk, servicio de micromecenaje para determinar cuáles de los sonidos candidatos eran reconocidos más fácilmente, así cómo cuáles eran los más frecuentemente oídos. Esta encuesta en masa hizo aflorar un conjunto de 165 clips de sonido distintivos e identificables. Podéis escuchar una selección de los mismos aquí.

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Después l@s investigador@s escanearon los cerebros de 10 voluntari@s (ninguno de ell@s músic@) a medida que escuchaban rondas de esos 165 clips.

Centrándose en la región auditiva del cerebro (localizada, de modo apropiado, en los lóbulos temporales justo por encima de las orejas) l@s cientifíc@s analizaron los vóxels (esos píxels en 3D que representan cachitos de nuestro cerebro) para determinar patrones similares de excitación neural o de quietud.

El punto fuerte de nuestro método es que es neutral con respecto a las hiótesis” afirma el Dr. McDermott. “Tan sólo hemos presentado un puñado de sonidos y hemos dejado que los datos hablen

Los cálculos han generado seis patrones de respuesta básicos, seis modos en que el cerebro categoriza el ruido que le entra. Pero, ¿a qué categorías correspondían?

Revisando los resultados con los clips de audio, determinaron que 4 de los patrones estaban relacionados con propiedades generales físicas del sonido, como el timbre o la frecuencia. El quinto marcaba la percepción del habla por parte del cerebro y, finalmente, el sexto se volvía operativo, destapando un punto caliente en el sulcus (parte que separa circunvalaciones del cerebro) del cortex auditivo que estaba totalmente atento a cualquier clip musical que los investigadores reproducían.

El sonido de un solo de batería, silbar, canciones pop, rap; casi cualquier cosa que tenía calidad musical, melódica o rítmica, lo activaba […] Esta es una de las razones que nos sorprendió Las señales del habla son bastante más homogéneas“, afirma el Dr.Norman-Haignere.

Pero aún quedan cosas por determinar. Por ejemplo, las cualidades acústicas exactas de la música que estimulan estos caminos. ¿La constancia relativa del timbre de una nota musical? ¿Las sobreposiciones harmónicas? Incluso determinar qué es la música puede ser complicado.

Es difícil tener una definición de diccionario […] Tiendo a pensar que la música se define mejor con ejemplos“, dice el Doctor McDermott.

Bonus 🙂

De la web del estudio, he descargado los 165 clips de audio que se usaron.

 

Buen Miércoles!! 🙂

Artículo Original: “New Ways Into the Brain’s ‘Music Room’” en el New York Times

¿Qué dicen nuestros gustos musicales sobre nuestra personalidad?

¡Hola Brain Feelers! En primer lugar dejadme desearos a tod@s un Muy Buen 2016 🙂

He estado buscando y barajando todo el fondo de artículos que tengo en cola de aprendizaje para encontrar uno que sea el más adecuado para ser el primer Brain Feeling de este año. La premisa fundamental era que debía de ser un Brain Feeling sobre música. De modo que he encontrado uno, que no es ni muy espeso ni muy largo para aprender.

Se trata de un estudio que nos da pistas sobre lo qué nuestros gustos musicales pueden decir sobre nuestra personalidad.

Estamos expuest@s a la música casi un 20% del tiempo en el que estamos despiertos. Aún así gran parte de nuestra experiencia musical continúa siendo un misterio. ¿Por qué algunas músicas nos hacen llorar mientras que otras nos hacen bailar? ¿Por qué pasa que música que nos pueda gustar a otr@s los haga sentir inquiet@s? Y, ¿por qué hay personas que parecen tener una habilidad natural para tocar música mientras otras tenemos gran dificultad para llevar a cabo una pieza?

La ciencia está empezando a mostrar que estas diferencias individuales no son del todo aleatorias, sino que en parte tienen mucho que ver con las personalidades de las personas.

David Greenberg y sus colegas de la Universidad de Cambridge han publicado un estudio que demuestra que las preferencias musicales de las personas están directamente relacionadas con tres grandes grupos de estilo de pensamiento:

  1. Tipo E: Los Empatizadores (Empathisers), tienen un gran interés en los pensamientos y las emociones de las personas.
  2. Tipo S: Los Sistémicos (Systemisers), demuestran un gran interés en los patrones, los sistemas y las reglas que gobiernan el mundo.
  3. Tipo B: Los Balanceados (Balanced) que demostraron resultados equivalentes en empatía y sistemicidad.

Algunos estudios de la década pasada ya demostraban que un 95% de las personas podían ser clasificadas en uno de estos 3 grupos y que éstos predicen gran parte del comportamiento humano. Por ejemplo, predecir cosas cómo estudiar ciencias o letras en la universidad. Ahora, por primera vez, se ha demostrado que también estos 3 grupos pueden predecir también el comportamiento musical.

Encajando la Música con el Estilo de Pensamiento

Con el fin de estudiar este fenómeno se procedió a analizar diversos aspectos de 4000 participantes.

Se tomaron datos como sus maneras de pensar así como también se les pidió escuchar y preferenciar hasta 50 fragmentos musicales que representaban un amplio abanico de géneros.

Estos estudios dieron como fruto los siguientes resultados:

  • El Tipo E prefería música suave con poca energía, emociones tristes y profundidad emocional como en el R&B, el soft rock o las canciones de cantautores. Canciones como “Como Away With Me” de Norah Jones o “Hallelujah” de Jeff Buckley eran algún ejemplo.
  • Por otro lado, el Tipo S, prefería música más intensa, con profundidad intelectual y complejidad. Estilos como el hard rock, punk, heavy metal y música clásica encajaron en este grupo. Por ejemplo el “Etude Opus 65 Nº 3” de Alexander Scriabin.
  • El Tipo B, tenía las miras más amplias extendiéndose por igual en ambos lados de los resultados.

Fijaos en estas gráficas de los resultados del estudio:

journal.pone.0131151.g001

Muestra la Preferencia de cada tipo con Respecto a las dimensiones musicales (por orden): Mellow (suave); Unpretentious (humilde); Sophisticated (sofisticada); Intense (intensa), Contemporary (contemporánea).

journal.pone.0131151.g002

Muestra las preferencias por los atributos psicológicos desgranados. Por Orden: – Arousal (excitación): dividida entre alta y baja. – Valence (valencia):dividida entre positiva y negativa. – Depth (Profundidad): dividida entre emocional y cerebral.

journal.pone.0131151.g003

Preferencias de los tipos por los atributos sonoros. Características Acústicas y Características Instrumentales.

 

En un estudio más reciente, publicado en el Journal of Research of Personality descubrieron que los rasgos de personalidad de las personas podían también prever su habilidad musical, incluso cuándo éstas no tocasen ningún instrumento.

En este caso se trabajó con  más de 7000 participantes observando 5 dimensiones de personalidad:

  • Sinceridad / Ser Abierto
  • Meticulosidad
  • Extroversión
  • Simpatía
  • Estabilidad Emocional

A la vez también se pidió a los participantes el llevar a cabo varias tareas que medían su habilidad musical, incluyendo recordar melodías o escoger ritmos.

Se descubrieron puntos como:

  • Junto con el entrenamiento musical, la sinceridad era el predictor más fuerte de la sofisticación musical. Las personas abiertas y sinceras, son imaginativas, tienen un amplio rango de intereses y están más abiertas a nuevas maneras de pensar y de cambios en su entorno.
  • Los “cerrados” prefieren la rutina y lo familiar y tienden a tener valores más convencionales.
  • Los extrovertidos (más habladores, asertivos y buscadores de excitación) tenían mejores aptitudes para el canto.

¿Qué podemos hacer con estos descubrimientos?

Todos estos hallazgos nos demuestran que, partiendo del gusto y habilidad musical de una persona; podremos inferir mucha información sobre su personalidad y sobre el modo en que piensa.

music-therapy

También nos muestra que hay factores más allá de nuestro conocimiento que moldean nuestras experiencias musicales. Esperemos que estos hallazgos puedan ser de ayuda a profesores, padres y doctores.

En base a la información sobre la personalidad, l@s educador@s se podrán asegurar que l@s niñ@s con potencial talento musical tengan la oportunidad de aprender un instrumento musical. Los Terapeutas Musicales podrán usar esta información sobre el modo de pensar para hacer terapias más personalizadas.

Greenberg y su equipo también están interesados en cómo este conocimiento adquirido de la ciencia puede ayudar a infantes y adultos que se hallan en el espectro autista, con dificultades para la comunicación. Podéis encontrar más información sobre este estudio aquí y en PDF: Can Music Increase Empathy? Interpreting Musical Experience Through The Empathizing– Systemizing (E-S) Theory: Implications For Autism

También podría ayudar a las personas a procesar las emociones después de experimentar un trauma psicológico o pasando por un proceso de duelo. De hecho, los hallazgos iniciales sugieren que las personas que pasaron por un evento traumático en su infancia se enfrentan a la música de un modo un poco diferente en la madurez que aquellos que no sufrieron trauma alguno.

¿Quieres saber más sobre tu habilidad musical, tus preferencias y tu personalidad? Puedes pasar los tests que Greenberg y su equipo han diseñado: The Musical Universe

Finalmente, un poco de música 🙂

Este sería el estilo de música para un Tipo E

Este sería el estilo de música para un Tipo S

¿En cuál encajas?

Buen Viernes y Buen 2016!!! 🙂

Artículo Original: “What Do Your Musical Tastes Say About Your Personality?” en Neuroscience News

Los beneficios a largo plazo de aprender música siendo niños

Creo que ya va siendo hora de recuperar algún tema de neurociencia y música. Casi desde que inicié el blog que tengo pendiente la explicación de este artículo del New York Times: “Early Music Lessons Have Longtime Benefits”.

Yo crecí en una educación sin música. Es decir, no es que no escuchara música eso sí que lo que lo hacía; sino que no se fomentaba su formación. No tuve ni lecciones de sensibilización al ser preescolar, no solfeo, ni la típica clase con flauta. Nada. Aún así me considero un amante de todo tipo de música y, como sabéis, estoy totalmente convencido de todos los beneficios que la música aporta al cerebro.

Lo veo con mi hijo, él si que asiste a clases de sensibilización y le gusta todo tipo de música. De hecho me sorprende que justo al levantarse escucha ópera. ¡Tiene dos años! Claro está que este hecho va acompañado de un refuerzo de estímulo visual mediante una aplicación exquisita para iPad: Play Ópera y que puede ser soportada por sus fichas didácticas.

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Hoy os quiero traducir literalmente el artículo sobre los beneficios de las clases de música en edades tempranas: “Early Music Lessons Have Longtime Benefits” escrito por el Doctor Perry Klass el 10 de Septiembre de 2012 (por favor disculpadme si hay algún error de traducción).

El artículo dice así:

Cuando los niños aprenden a tocar un instrumento musical, fortalecen toda una serie de capacidades auditivas. Estudios recientes demuestran que esta adquisición de capacidades, estos beneficios se extiende durante toda la vida; como mínimo con aquellos que continúan teniendo relación con la música.

Pero un estudio publicado en Agosto de 2012 fue el primero en demostrar que las lecciones de música en la niñez conducen a cambios en el cerebro que persisten incluso años después de que se hayan dejado los estudios musicales.

Investigadores de la Universidad del Noroeste han grabado las respuestas auditivas cerebrales de unos estudiantes (sus ondas eléctricas cerebrales) cuando responden a sonidos complejos:

El grupo de estudiantes que afirmaba haber recibido entrenamiento musical en la infancia tuvo respuestas más robustas: sus cerebros demostraban ser más capaces de diferenciar elementos esenciales como el tono en los sonidos complejos durante el test. Y este hecho continuaba siendo verdadero incluso si estas lecciones habían terminado años antes.

Los científicos están intentando encajar las conexiones entre el entrenamiento musical en la infancia y el aprendizaje basado en el lenguaje; como es la lectura. Aprender a tocar un instrumento puede aportar algunos beneficios inesperados, como los estudios proponen.

No estamos abordando el tema del “Efecto Mozart” que dice que la escucha de música clásica puede aumentar el rendimiento de las personas en los test. En su lugar, estos son estudios de los efectos de un compromiso activo y disciplina. Este tipo de entrenamiento incrementa la capacidad cerebral de diferenciar los componentes de l sonido: el tono, el tempo y el timbre.

“Para aprender a leer, se necesita tener una buena memoria, la habilidad de poder discernir entre los sonidos vocales, hacer conexiones sonido-significado”, afirmó la Profesora Nina Kraus, directora del Auditory Neuroscience Laboratory en la Universidad del Noroeste. “Cada una de estas cosas parece ser realmente fortalecida con un compromiso activo en tocar un instrumento musical”.

La capacidad de apreciar cualidades sutiles del sonido, incluso en contraposición de un fondo ruidoso, se hace importante no solo para un infante aprendiendo a entender el lenguaje escrito y leído sino también, para una persona anciana que esta batallando con pérdida de audición.

En un estudio sobre los que continúan tocando, publicado en el verano de 2012, los investigadores descubrieron que a medida que los músicos envejecen, experimentan la misma perdida en la oída periférica, el funcionamiento de los nervios del oído igual que los que no son músicos. Pero los músicos ancianos mantienen sus funciones cerebrales, las capacidades centrales de procesamiento auditivo que, por ejemplo, nos ayudan a entender un discurso aún éste este dentro de un marco de un ruido entorno.

“A menudo nos referimos al ‘problema de la fiesta’ o ir a un restaurante donde un montón de gente está hablando” dice el Doctor Claude Alain, asistente del director del Rotman Research Institute en Toronto y uno de los autores del estudio. “Los adultos más ancianos que están entrenados musicalmente sacan mejores puntuaciones sobre el diálogo en tests ruidosos; y esto tiene más que ver con el cerebro que no con el sistema de oída periférica”

Investigadores de la Universidad de California, en San Francisco, se están acercando al soundscape desde un punto de vista diferente; estudiando la genética del tono absoluto o perfecto; la habilidad de identificar cualquier tono. La Doctora Jane Gitschier, profesora de medicina y pediatría que dirige en California el estudio y sus colegas; están intentando sonsacar ambos: la genética y los efectos del entrenamiento temprano.

“La pregunta immediata al que queremos llegar son las variantes de los genomas de la gente que puede predisponer a un sujeto concreto a tener oído absoluta”, dijo. “La hipótesis es que esas variantes se manifiestan como oído absoluta con la precondición de entrenamiento musical temprano”

Ciertamente, casi todo aquel del que se demuestra tiene un oído absolut ha recibido entrenamiento musical en la infancia. Podéis hacer vuestro propio y voluntario test para el estudio aquí.

Alexandra Parbery-Clark, una doctoranda en el laboratorio del Doctora Kraus y autora del paper publicado en 2012 sobre la memoria auditiva y la música, fue originariamente entrenada para ser pianista de concierto. Su deseo de regresar all estudio del cerebro, dijo, sobrevino mientras enseñaba en una escuela Francesa para niños con talento musical, observando los modos que el entrenamiento musical afectaba los otros tipos de aprendizaje.

“Si te encuentras con niño entre 3 y 4 años y le estas enseñando a atender, no está tan solo trabajando sus competencias auditivas sino también sus competencias de atención y memoria que pueden ser traducidas como aprendizaje educacional”, dijo.

Attention

Ahora Alexandra y sus colegas pueden echar un vistazo a las grabaciones de las detecciones eléctricas del sonido, y ven que los cerebros entrenados musicalmente producen respuestas diferentes y mucho más robustas. “Ahora tengo una prueba, una prueba tangible de que la música está haciendo realmente alguna cosa”, “uno de mis compañeros de laboratorio puede mirar el ordenador y afirmar: ‘Oh! estas grabando a un músico!'”

Muchos de los investigadores de éste área son músicos interesados en la plasticidad del cerebro y los efectos de la educación musical en las ondas cerebrales que demuestran los estímulos sonoros. “Esta respuesta refleja que los elementos acústicos del sonido que conocemos tienen significado” dijo la Profesora Kraus.

Hay una fascinación -y quizá cierto deleite embriagador- en aprender qué es lo que puede hacer el cerebro, y estudiando los multiples efectos que la combinación de estimulación, aplicación, práctica y ejercicios auditivos que proporciona la educación musical. Aún así los investigadores avisan que no hay una mejor manera de aplicar estos descubrimientos.

Instrumentos diferentes, diferentes métodos de enseñar, diferentes regímenes – las familias necesitan encontrar qué es lo que realmente atrae al niño y que funciona para ellas mismas aunque requiera de una gran parte de placer y maestría. Los niños deben pasárselo bien, incluso en sus lecciones. Los padres deben preocuparse por la música y sacar tiempo para hacer de ella un elemento terapéutico.

“Queremos que la música sea reconocida por lo que puede ser dentro de la vida de de una persona, no por el mero hecho de ‘Queremos que tengas mejores capacidad cognitivas por eso te apuntamos a música’ “ dijo Alexandra.

“La música es genial, la música es fantástica, la música es social, dejemos pues que la disfruten para lo que realmente es”

Bueno …. os dejo que ya se ha despertado y és hora de Play Ópera 🙂

Feliz Sábado a tod@s!

La Música y El Cerebro

A mediados de 2014, empecé a leer Incógnito de David Eagleman sobre los procesos que lleva a cabo nuestro cerebro no consciente. Era una lectura poco usal ya que nunca había leído ensayo. El libro está publicado bajo la colección Argumentos de Anagrama Editorial.

Bajo esa colección busqué más libros relacionados con el cerebro y la neurología; fue así como conocí Alucinaciones de Oliver Sacks. La manera en como estaban relatados los casos y ejemplos es excepcional. Seguí a Oliver y a su obra tanto como pude.

En uno de sus tweets, Sacks recomendaba Alive Inside documental de Music & Memory. Sin palabras:

Increíble, que sensación! Que labor tan interesante llevan a cabo la gente de Music & Memory.

Tirando del hilo, empecé a leer Musicofilia de Oliver Sacks, acto seguido me hice con todas sus obras. Paralelamente seguí participando en Music & Memory. La introducción del libro con referencias a la obra El Fin de la Infancia de Arthur C. Clarke ya es suficiente para hacernos una idea de la condición humana (el cerebro humano) con respecto a la música.

La escucha a Tapping into musical memory de Science Friday, podcast dónde Sacks interviene sobre la tarea de Music & Memory, junto con la escucha del episodio dedicado al cerebro (17/10/2014) de La Escóbula de la Brújula me hicieron tomar un decisión:

La música, siempre ha sido mi pasión y, ahora, la neurología y el cerebro también

¿Por qué, a la par que me formo en esta unión no intento difundir y divulgalo?

Este es el objetivo principal de la razón de ser de Feel the Brain. Llevamos cada dia puesta la Máquina Más Compleja de la naturaleza, de la cual sabemos muy poco. No soy un experto, ni pretendo serlo, el objetivo es formarme y compartir estas materias.

La Máquina Más Compleja necesita combustible y la música es combustible de primera.

¿Repostamos?

Este es el programa de La Escóbula de la Brújula sobre el Cerebro:

Ilustraos 🙂