Tocar Dibujos: Asombrosas Partituras Musicales

Durante esta semana, en mi búsqueda de nuevas cosas que aprender, he encontrado unas cosas que han llamado poderosamente mi atención. Son imágenes de notación musical, pero no imágenes comunes de partituras a las que estamos aconstumbrad@s sino, partituras musicales que en sí son obras de arte. Este es uno de esos Brain Feeling que se quedan conmigo, de los que demuestra hasta dónde somos capaces de llegar tan sólo con nuestro cerebro.

¿Puede un@ músic@ tocar a partir del arte gráfico? No me refiero al Minueto de Mona Lisa o a la Sonata Hay Wain, sino al fajo de partituras que Joanna MacGregor está tocando con su conjunto. A primera vista parecen dibujos de una exposición más que piezas para un recital. Estas son las partituras gráficas que tuvieron su apogeo en los años 70 del siglo XX.

Toda la notación musical es gráfica en el sentido que hay símbolos que nos dicen qué hacer y cuándo hacerlo. Se trata de toda la música cuyo sonido podemos reconstruir. Antes de ese periodo de miles de años en los que la música no era más que fragmentos evocativos tocados con una flauta de hueso en la edad de piedra. Esa música sin partitura no era tan simple. Basta con escuchar a los pigmeos del Congo de hoy en día, intrincados en el tiempo y el espacio para oír cómo se puede alcanzar la complejidad sin necesidad de partitura alguna.

La notación musical europea primero tomó una línea horizontal que indicaba el orden de las notas, sus duraciones y vagamente sus posiciones (altas o bajas). Fue el rompedor Guido d’Arezzo en el Siglo 11 quien añadió una calibración vertical para mostrar de modo preciso la ‘altura’ de las notas (do re mi fashion) entre ellas. Al mostrárselo al papa remarcó que ya disponía de na herramienta para hacer las liturgias correctamente.

La Mano Guinodiana

La Mano Guinodiana

Guido D'Arezzo

Guido D’Arezzo

Este esquema con algunos refinamientos es a lo que se enfrentan hoy en día l@s músic@s en sus atriles de modo que, incluso, cuando se trata de un gran grupo estén segur@s que están en la misma página y en la misma nota. Pero las líneas no son una prisión. Hay una flexibilidad, se modo que el Beethoven de Klemperer es diferente que el de Karajan. Incluso el propio Stravinsky cambiaba entre diferentes representaciones de sus piezas.

A mediados del siglo XX muchos compositores empezaron a necesitar ruidos, efectos, intervenciones electrónicas y elementos aleatorios que las líneas de su manuscrito no podían acomodar. Nuevos signos, garabatos, florituras, grupos y grandes loops e interrupciones estriadas se añadían o reemplazaban las viejas notas. Las partituras de Stockhausen, mantenían la notación estándar meramente como punto inicial de sus nuevos ideogramas, las de Cage eran una combinación de dibujos y de cartas idiosincrásicas, condicionadas por la oportunidad, a primera vista no parecían ni siquiera notación musical.
Partitura de Stockhausen

Partitura de Stockhausen

Partitura de Cage

Partitura de Cage

Las partituras se convirtieron más en mapas de un mundo sonoro, cartas de navegación sonora.

La notación gráfica pura salió de todo esto de modo que la notación para el músico es un dibujo autónomo con pequeñas referencias a la notación ortodoxa. Como veremos más adelante en este Brain Feeling, Treatise de Cornelius Cardew, es un extenso trabajo de un músico brillante que también era un dibujante experimentado. La pureza y la claridad de su vocabulario visual llega a condicionar una respuesta similar del intérprete.

Paradojicamente un factor importante aquí es la tradición. Cada compositor ha anunciado mediante ejemplos o conversaciones, un idioma sonoro conocido por asociación a intérpretes como el pianista David Tudor (que trabajó con Cage) o John Tilbury, muy cercano a Cardew (de hecho escribió su biografía). De modo que lo que parece ser una improvisación esta cualificado y condicionado por el conocimiento de las preferencias sonoras del compositor. Joanna MacGregor la autora de esta serie de conciertos es una virtuosa que ha crecido con esta tradición.

Joanna MacGregor

Joanna MacGregor

Se demuestra una vez más que la música y el arte gráfico son primos cercanos. Aunque la partitura gráfica debe permanecer donde está, puede ayudar a redefinir la posibilidades del orden sonoro.

De modo que, ¿Cómo tocarías un dibujo? Compositores y artistas desde John Cage hasta Brian Eno han experimentado con la notación musical para crear partituras extraordinariamente visuales que rivalizan directamente con el mejor arte contemporáneo. En este artículo de Notations21, Teresa Sauer presenta algunas de sus favoritas. Todos estos trabajos se tocaron en unas sesiones en el Reino Unido.

Aprendamos algunas de estas maravillosas partituras y de sus representaciones.

Cathy Berberian

En 1966, compuso su primer trabajo musical, Stripsody para una voz. Stripsody es una exploración de los sonidos onomatopeicos de las tiras de cómic ilustradas por Roberto Zamarin, que se usan para crear una sucesión de viñetas.

Una de las viñetas de Roberto Zamarin

Una de las viñetas de Roberto Zamarin

El Trabajo de Cathy representó un nuevo paradigma de la composición musical en los años 60 del siglo XX. Veamos algunas de estas partituras y cómo Cathy las representaba.

Partitura de Superman

Partitura de Superman

Otra Partitura de Las Onomatopeyas de Cómic

Otra Partitura de Las Onomatopeyas de Cómic

Esta es Cathy representando sus partitura:

Para más representaciones de Cathy, podéis visitar el canal de Youtube.

Tom Phillips

El 6 De Corazones

Escrita en 1991, representa la fusión del mundo visual y del mundo sonoro del artista. La 6 piezas resultantes son una manifestación contemporánea de ornamentados manuscritos medievales, que nos cautivan para explorar tanto la visualización como la composición. El 6 de corazones se construyó mediante las páginas de “A Heart of a Humument“, un juego de cartas diseñado por Phillips y las canciones en sí mismas.

6 de Corazones de Tom Phillips

6 de Corazones de Tom Phillips (Opus 16 No 1. The Chant Lifted The Shadow – Collage y Tinta – 1991

 

Ornamentik

Esta es la partitura de Tom Phillips de su obra Ornamentik.

Ornamentik (Tom Phillips)

Ornamentik (Tom Phillips)

Ornamentik

Ornamentik

¿Curiosidad por como suena? Aquí la podremos escuchar:

Cornelius Cardew

Treatise

Se trata de 193 impresionantes páginas de notación gráfica compuestas entre 1963 y 1967. Las instrucciones para su representación indican que son para “cualquier número de de músicos con cualquier instrumento, [y] que se puede representar en su totalidad o en parte“. Inspirado en creencias políticas y filosóficas, Cardew también sugirió que para la libre interpretación debería haber una reunión antes de la representación.

Treatise

Treatise

Treatise

Treatise

He aquí cómo suena al interpretarla:

 

George Crumb

El Círculo Mágico del Infinito

Escrito en 1973, el Makrocosmos de George Crumb es la exploración de las infinitas posibilidades sonoras del piano. El Círculo Mágico del Infinito que completa la segunda pare del primer volumen de Makrocosmos, nos recuerda las fronteras inexistentes del instrumento y todas sus oportunidades en esta forma circular.

The Magic Circle Of Infinity

The Magic Circle Of Infinity

 

Así es como suena:

Wadada Leo Smith

Luminous Axis for trumpet and electronics

En palabras del compositor, la obra es un Jardín Electrónico de las Delicias y de las Transformaciones“. Smith ha sido pionero en en nuevo mundo del sonido musical desde los años 60 del Siglo XX y sus usos aventurados de la electrónica en Lumunois Axis nos hace escuchar trompetas de modos que son totalmente tranformadores.

Luminous Axis for trumpet and electronics

Luminous Axis for trumpet and electronics

Este es Smith hablando de su música en 2007:

Jennifer Walshe

THIS IS WHY PEOPLE O.D. ON PILLS/AND JUMP FROM THE GOLDEN GATE BRIDGE

Esta obra se compuso sobre una camiseta blanca en 2004, consta de los bloques y de las densas palabras de un artículo de las noticias. Hay diferentes instrucciones sobre cómo representarla en sólo o en grupos; en cualquier caso el músico sigue un “camino” con las directivas relacionadas co el skateboarding.

THIS IS WHY PEOPLE O.D. ON PILLS/AND JUMP FROM THE GOLDEN GATE BRIDGE

THIS IS WHY PEOPLE O.D. ON PILLS/AND JUMP FROM THE GOLDEN GATE BRIDGE

Así es como suena:

Ligeti

Artikulation

De 1958, Artikulation fue uno de sus dos únicas composiciones electrónicas experimentales. Dos décadas después, Rainer Wehiger creó una partitura visual para el trabajo. Más abajo podremos ver esta animación.

Artikulation

Artikulation

Artikulation

Artikulation

Esta es la música de Ligeti Animada por Rainer Wehinger:

Fred Frith

Bricks for Six

El álbum de Frith de 1992, titulado “Stone, Brick, Glass, Wood, Wire” (Piedra, Ladrillo, Cristal, Madera, Cable” conformaba una serie de representaciones de partituras gráficas que eran fotos de objetos inanimados, incluyendo pavimentos de piedra, paredes de ladrillos, ventanas, cables de alta tensión, montañas de leña. Cada fotografía tenia instrucciones explicando cómo l@s músic@s debían de interpretar los patrones de la imagen.

Bricks for Six

Bricks for Six

Esta es la portada del álbum (click encima de la imagen para la lista de reproducción de YouTube):

Stone, Brick, Glass, Wood, Wire

Stone, Brick, Glass, Wood, Wire

Estas son algunas muestras de hasta dónde nuestro cerebro es capaz de relacionarlo todo. Es soprendente. Es maravilloso. Es Espectacular. Me quedo sin palabras para poder describir lo que siento al aprender este tipo de conocimientos.

‘Anónimas’

Estas son algunas de las otras partituras bellas he he ido recopilando esta semana. Les llamo ‘anónimas’ ya que no me apunté quienes eran sus autores.

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Muy Buen Domingo!! 🙂


Artículos Originales:

Sobre el Liderazgo; Riccardo Muti: El Arte de la Dirección [Musical]

Esta semana será la semana de los Soft Skills en Feel The Brain. Intentaremos aprender qué son, cómo se mejoran, qué nos aportan e, importante, cuáles son. L@s Brain Feelers más veteran@s sabréis que normalmente cuando aprendemos algo sobre los Soft Skills lo encaramos hacia la aplicación a la vida profesional.

Durante estos últimos días he podido reflexionar, con un compañero -guiño, guiño- sobre la evolución de cualquier profesional (creo que se puede adaptar a cualquier sector) y se nos apareció un símil con la música. Después de la conversación (casualidades de la vida) me crucé con un vídeo de Riccardo Muti (director de orquesta) en el que se ve su discurso de aceptación del premio músico del año que cerrará este Brain Feeling. Pero, no corramos, aprendamos paso a paso.

Continuando con el símil musical, cuando entramos en el mundo laboral somos músicos aprendices; a penas sabemos tocar un instrumento, a penas sabemos de música y mucho menos, a penas sabemos cómo se tocan los instrumentos musicales de los demás, además, necesitamos que alguien nos de una mano para poder tocar, seríamos algo así:

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Aún más, en este estadio no sabemos siquiera si el instrumento que hemos elegido tocar nos gusta o no. Con lo que, para decidir si es cierto o no, nos esforzamos en trabajar con él hasta que a base de nuestros hard skills llegamos a tocarlo bastante bien. Sabemos interpretar ya la música en ese instrumento, necesitamos menos ayuda e incluso ya somos un poco autónomos; pero solamente con un instrumento.

Pero un@ compañer@ de nuestro lado está tocando otro instrumento, nosotros ya sabemos de música y vemos (y creemos) que también sabríamos tocarlo, que, con lo que hemos aprendido; podremos aprenderlo con menos esfuerzo del que necesitamos para tocar nuestro primer instrumento. Entonces, mediante de nuevo, nuestros hard skills nos ponemos manos a la obra y logramos aprender ese nuevo instrumento.

De este modo pasa el tiempo, y tan solo con nuestras aptitudes puramente técnicas (hard skills) aprendemos a tocar muchos instrumentos, los aprendemos a tocar a la vez y no necesitamos a nadie más (eso creemos). Nos hemos convertido en el hombre orquesta:

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Hombre Orquestra (no deja de ser peculiar)

Siendo un hombre orquestra tocamos nuestras sinfonías, como queremos, cambiando incluso el instrumento de cada parte en cada interpretación a nuestro antojo; somos capaces de hacerlo y lo más importante estamos muy cómodos cuando lo hacemos; estamos en nuestra zona de confort.

¡Qué bien nos sentiríamos allí para siempre! ¿no? ; pero el mundo profesional tiene su ciclo y siendo ya hombre orquesta estamos listos para enseñar a nuev@s músic@s novatos a tocar y a elegir su instrumento. Esta situación también es cómoda; nosotros seguimos tocando nuestras sinfonías cambiantes mientras en paralelo ayudamos a nuevos músicos. A uno, a dos, a tres, ….

Hasta que nos damos cuenta que no podemos tocar nuestra sinfonía tan cómodamente y con la libertad a la que estábamos acostumbrados. Pero la sinfonía debe seguir sonando, con lo que no tenemos otro remedio que convertir a nuestro equipo (pequeño equipo) en un cuarteto de cuerda dónde cada uno toca un instrumento, hasta tú mism@ estás tocándolo.

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¡Qué bien! aún puedes tocar (sí, cierto, algunos instrumentos ya no; tus aprendices los saben tocar mejor que tú); pero aún queda trabajo para tí. Los tienes que continuar formando, hacer que sean mejores y conducirlos.

El tiempo continua moviéndose, y tus aprendices han decido cambiar sus instrumentos, un@ se ha quedado en las cuerdas, otr@ ha decidido la percusión, el/la tercer@ se ve que le gusta el viento y el/la cuarto (tu preferid@) ha decido hacerse mejor en tu especialidad, el piano. Y sí, lo hace mucho mejor que tu, en comparación con los tiempos actuales, está preparado para que tú puedas delegar en ell@ la interpretación de tu parte de la sinfonía.

Llegados a este punto puedes tener la impresión que tu trabajo ya no es necesario. Que debes volver a empezar y ser mejor en otro hard skill. Decides abandonar y cambiar de barco, tod@s están preparad@s, saben tocar, ¿Qué más falta? Te giras y empiezas a andar para irte. Al fondo les oyes interpretar la sinfonía, las notas que tan acostumbrad@ estás a oír; pero ¡espera un momento! ¿Qué esta pasando? Las cuerdas suenan bien sí y el viento; lo mismo pasa con la percusión y el piano. Pero te das cuenta que suenan bien por separado; hay una descordinación entre todas las secciones la sinfonía no está sonando bien. En tu interior te sorprendes, tú les ayudaste a preparase, se saben la sinfonía de memoria; ¿Por qué no están coordind@s?

Pues porque simplemente, están perfectamente preparados para sus secciones, pero necesitan de alguien que les coordine que haga que la sinfonía suene bien, que tanto los propietarios de la orquesta cómo el público aplauda. Necesitan a alguien con visión más abstracta que haga que cada cosa suene cuando tenga que sonar y pare de hacerlo cuando se necesario. Esa es la tarea del conductor de la orquesta que has ayudado a construir. Y, en este caso, en esta orquesta tú eres quien tiene esta visión global. Has visto la necesidad de generar cohesión (Soft Skill); de hacer que los vientos y las cuerdas se lleven bien (Soft Skill) de que el pianista tenga claro que toca muy bien el piano; pero que no puede juzgar al resto de la orquesta (al menos de momento). Este eres tu ya, el director:

Riccardo Muti

Riccardo Muti

y este es tu equipo:

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Llegados a este punto, ¿crees que has acabado? ¿Vas a estar para siempre haciendo esto? Y es aquí donde entra este impresionante speech de Riccardo Mutipensadlo, pero diría que lo que nos queda es el perfeccionamiento de los Soft Skills:

Aún así, de vez en cuando (o en ocasiones que la pieza a interpretar lo requiera), podremos volver a nuestra antigua zona de confort, y tocar un rato nuestro instrumento favorito sin que nadie lo pueda evitar.

Un Poco de Música

Esta es una demostración de cómo dirige Riccardo Muti, en este caso la Eroica de Beethoven, por la Orquesta de Philadelphia:

Buen Domingo!! 🙂

Bohemian Rhapsody y Ramon Gener

Le he dado muchas vueltas a como empezar este post. Buscando adjetivos, calificativos para describir todo lo que que la labor de divulgación que Ramon Gener lleva a cabo en el mundo de la música.

Creo que no hay mejor ejemplo de lo que me propuse con este blog:

Realmente te hace sentir.

Conocí la labor de Ramon con su libro “Si Beethoven pogués escoltar-me”, de nuevo sin palabras, es un libro simplemente (sin querer entrar en sentimentalismos) DELICIOSO. Genial!

Beethoven_Gener

 

En ese entonces, Ramon, si no recuerdo mal, llevaba a cabo el programa en TV3 “Òpera en Texans” . Conocía el programa de oídos, nunca lo había visto por falta de tiempo. Instructivo, divulgación y sentimiento en estado puro.

Siguiendo de lejos la trayectoria de Ramon la buena noticia fue conocer su sección “Encantats amb Ramon Gener” en el programa de RAC1 de Toni Clapés y su equipo “Versió RAC1”

Esta colaboración, tiende a ser mensual y su contenido varia con una baseline constante: la música y el sentimiento.

Ayer tuvimos la suerte de tener la colaboración de Febrero, donde Ramon diseccionó la canción (o mejor dicho la rapsodia) de Queen “Bohemian Rhapsody”. ¿Quién es el Galileo que aparece en la canción? ¿Cuál es la historia detrás de ella? y muchísimos otros detalles de la visión de Ramon sobre el propósito de Freddie Mercury al crear esta canción.

He subido el podcast de la sección a SoundCloud, para que podaís escucharlo, dura más o menos una hora, que se os convertirá en 5 minutos y como siempre querréis más historias de las que nos aporta Ramon.

Y aquí el vídeoclip oficial de la canción, para poder seguir las referencias del podcast:

El dia 8 de marzo, por la noche en La 2; Ramon estrena su nuevo programa: “This is Opera” . Cita Agendada!

Tan solo decir: gracias Ramon.